TP "Warhol y el cine"

Andrew Warhola (6 de agosto de 1928 - 22 de febrero de 1987), mejor conocido como Andy Warhol fue la figura más destacada del movimiento pop art.

Después de una exitosa carrera como ilustrador de revistas y de publicidad, Warhol se hizo famoso en todo el mundo por su trabajo como pintor y cineasta de vanguardia. Como figura pública es recordado por haber estado vinculado a círculos sociales muy diversos, incluso antagónicos entre si como fueron la bohemia neoyorquina, reconocidos intelectuales, celebridades de Hollywood y ricos aristócratas.

Fue un personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y documentales. No en vano, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

Los 60`s fueron los años de decadencia del cine hollywoodense conocido hasta entonces, los films de genero producidos durante la época de oro ya no atraían al publico puesto que no proyectaban ninguna realidad vigente, el espectador buscaba poder relacionarse con las historias y personajes proyectados en la pantalla. A partir de esta situación comienzan a surgir alrededor del mundo diferentes propuestas; En Europa se desarrollaron corrientes tales como La nouvelle vague o el neorrealismo italiano, mientras que en Estados Unidos se buscaba la manera de reformar el Studio sistem y las herramientas con las que este contaba para poder recuperar su lugar predilecto.

Poco a poco los profesionales de la televisión fueron reemplazando a los de Broadway o a los formados en los grandes estudios como nueva cancha de guionistas y directores de talento para Hollywood. Esto no quiere decir que los talentos autóctonos de Hollywood desaparecieran en la década de los 60. Pero apenas surgieron nombres nuevos. En la década de los 60 también comenzaron a desaparecer los musicales cinematográficos en la tradición de Sombrero de copa (1935) y Cantando bajo la lluvia (1952). Los pocos musicales que se rodaron durante este período fueron por lo general adaptaciones de obras que habían tenido previamente éxito en Broadway.

La figura cinematográfica clave de la época fue probablemente James Bond. Los costes de las películas de la serie se hicieron cada vez mayores; también se alejaron cada vez más de las novelas originales. Su éxito dio lugar a toda una serie de imitaciones. Este éxito hizo que en el género de espionaje se pusiera más énfasis en la evasión que en el realismo. A finales de los 60 estaba ya claro que las películas más taquilleras eran las que atraían a los espectadores jóvenes.

Esta oleada de permisividad con el estreno de películas que desafiaban el todavía vigente Código Hays provoco la definitiva liquidación en 1968 del Production Code y la adopción de un nuevo sistema de clasificación que anula el régimen de autocensura. Este hecho tendrá una repercusión inmediata en el contenido de los filmes, particularmente en lo referido a sexualidad, lenguaje y violencia.Y también provocara que Desde la legendaria Factory ­ en realidad un almacén de la neoyorquina calle 47­, Andy Warhol sabrá aprovechar la tesitura, produciendo algunas de las obras más “decadentes” de su época.

A semejanza de otros artistas de su generación, el cine forma parte de la memoria sentimental de Warhol. Espoleado por habituales de la Factory, como Taylor Mead y Dennis Hopper, en 1963 compra una cámara de 16 mm. y rueda su primer filme, Kiss.

Warhol fue un artista que pretendía actuar como una máquina, minimizando el rol de su propia idea creativa en la producción de su trabajo. Fue así como revolucionó el mundo del arte y su trabajo se hizo tan popular como polémico. Su manera de abordar al mundo cinematográfico no fue una excepción, se propuso crear un cine diferente, haciendo a un lado el lenguaje cinematográfico como había sido tratado hasta el momento y buscando un giro nuevo, una perspectiva distinta.

Se podría decir que en un principio Warhol no le dio demasiada importancia a ningún factor, no le intereso que sus films tuvieran guión, conflicto, clímax o trama, ni si quiera se molesto en la duración. Se podría decir que en esta primera instancia el artista estaba simplemente probando la paciencia del espectador.

Fue con esta ideología que realiza su primer film: sleep, una película de aproximadamente cinco horas en la que vemos a un hombre durmiendo de espalda a cámara. También en 1965 se limita a una toma estática del rascacielos Empire State Building desde el piso 44 del edificio Time-Life a lo largo de 8 horas. Bajo estos esquemas de cinéma verité ­su concepción del montaje consiste en pegar un rollo tras otro­ llegará a rodar en dos años casi una película por semana.

Warhol justifica sus films explicando que el ansía que sus obras no sean vistas, sino experimentadas. De todas maneras, tras jugar con el cine durante un tiempo, warhol se replantea su manera de filmar y la cambia por una un tanto mas similar a la convencional, bajo esta nueva filosofía produce el film The Chealse Girls y The Nude Restaurant. En estas utiliza herramientas del lenguaje cinematográfico tradicional como, un guión, movimientos de cámara e incluso gags para generar situaciones de comedia.

En 1968 Valerie Solanas, una activista femenina a la cual Warhol le había prometido publicar un articulo en una revista, le dispara tres tiros en el pecho y warhol queda internado; tras su recuperación parece haber perdido interés en el cine como creador, sin embargo no deja de involucrarse en el a travez de la producción y del préstamo de su nombre para diversos films.

Es de esta manera como comienza su relación con Paul Morrisey, a quien le financia la realización de una serie de largometrajes llamados Flash, Trash y Heat.La trilogía causa gran conmoción por su alto contenido de material sexual y es de hecho la responsable de expandir las fronteras de lo que hasta ese momento se había permitido mostrar en una pantalla. Morrisey se había propuesto en este proyecto el relatar historias del submundo de drogadictos, prostitutas y homosexuales del cual tanto él como Warhol eran habitúes y que era – a su percepción- muchísimo mas atractivo que cualquier cosa que se estuviese exhibiendo en el momento.

La trilogía fue un éxito y se dijo que morrisey había logrado hacer un cine incluso mas humano que el de su mentor, de todas maneras la figura del director siempre fue opacada por la del artista. Por su parte warhol, en entrevistas de la época declaro sucesivamente que el no había hecho “ninguna película hasta el momento”.

De todas maneras continúa prestando su nombre y una vez más trabaja con Morrisey, esta vez incursionando en el género del terror. En 1974 son estrenadas las películas “ Andy Warhol`s Drácula” y “Andy Warhol`s Frankestein”.

Mas tarde, realiza fugases colaboraciones en dos films: Vamp y Una mujer Descasada. Finalmente, el ultimo proyecto cinematográfico del artista fue su deseo de realizar una adaptación a la pantalla del best seller seller de Tama Janowitz Esclavos de Nueva Cork sin embargo este proyecto jamás se llevo a cabo y la película fue realizada varios años después por James Ivory.

Desde mi punto de vista, el cine de warhol tiene que ser analizado reconociendo dos etapas muy marcadas y diferentes. En su obra el artista realiza una gran evolución en la que perfecciona su técnica, no realizando una verdadera evolución para la industria cinematográfica sino una mejora personal.

Warhol se desenvuelve en el séptimo arte como si redescubriese el cine en el 63, y avanza a partir de ahí: experimenta en un principio con la cámara fija, con el blanco y negro, con el no dialogo, no guión, no nada, prende la cámara, “ encuadra” y no la toca hasta que el rollo no se acaba, casi como un film de los hermanos Lumiere con la única diferencia de que en el caso de Warhol cuando el rollo se acaba pone otro y otro y otro hasta obtener material de mínimo ocho horas. Esta manera de trabajar da fruto a sus films: Kiss, Sleep, Empire y más…

Al igual de cómo sucedió con el publico de los hermanos Lumiere y Edison, Warhol se canso rápidamente de esta manera de filmar y cambio, busco una nueva diversión y herramienta que lo volviera a atraer a la hora de filmar. Fue entonces cuando comienza a incursionar con el dialogo aunque sea mínimo y la música aunque esta suene solamente en el fondo y muy muy bajito.The Poor Little Rich Girl saga es un ejemplo de este segundo escalón en el que warhol comenzó a utilizar una nueva técnica, antes de filmar buscaba la situación la analizaba y hablaba con los actores que era lo que quería que sucediera o cual aspecto era el que a el le interesaba registrar, habiéndoles dado esos marcos de narración como limite los actores tenían campo abierto para jugar en la escena, los diálogos que llegan a aparecer en los cortos no son guionados pero quizás si sugeridos o ensayados.

Al filmar The Chealse Girls Warhol llega a lo mas cercano al cine contemporáneo a él, practicando al fin movimientos de cámara y encuadres interesantes, guionando diálogos e incluso jugando con el sonido y el montaje.

Mirando en retrospectiva su aporte al cine no es relevante si es que existe en absoluto, y su manera de abarcar este arte no fue del todo inteligente, según mi opinión, porque estando situado en la época en la que él estuvo hubiese podido hacer uso de todos los avances disponibles de la época frutos de esa era de oro hollywoodense que ahora entraba en decadencia y buscaba a gritos un predecesor o heredero que tomara las riendas.
A lo que me refiero es que si no se hubiese querido revelar en un principio al lenguaje cinematográfico para después terminar entendiendo que era inevitable seguir ciertas reglas, su producción pudo haber sido mucho mas fructífera.

De todas maneras, el cine es experimentación también y no deja de tener valor en ese sentido, sin lugar a dudas llevo al realismo a un extremo que pocos podrían haber imaginado, ni si quiera las corrientes europeas que tan arduamente se lo habían propuesto.